“La ciencia es estadística, pero al conocimiento le basta un campo de concentración”
Max Horkheimer

Sentada frente a una pantalla en la que en unos minutos empezará a proyectarse Shoah, la película de Claude Lanzmann, se despiertan en mi, múltiples emociones y pensamientos acerca de lo que en ella veré: temor, inquietud, curiosidad, horror. Tengo noción sobre el contenido, nunca la he visto, pero estoy convencida de que cualquier expectativa será rebasada, así como de que el resultado, en diferentes planos, personales e intelectuales, será exponencial.

Claude Lanzmann

Las imágenes dejan ver que algunas vías de tren aún permanecen ocultas bajo la hierba, las delata una ligera protuberancia y un cambio de tonalidad en el color de la superficie. Lo que es, no es lo que era. 

Parecería que antes de Lanzmann, no hubo alguien a quien le interesara desenterrar aquellas sendas -aún hoy, resulta más conveniente conseguir el olvido mediante la falsificación de la memoria-. ¿Cómo escenificar que en las cámaras de gas al abrir las puertas encontraban a los padres aplastando a sus hijos en la desesperación de ganar, por unos segundos, un poco más de aire? No está prohibido representar eso, simplemente es imposible. Lanzmann lleva pico y pala al hombro para emprender la difícil tarea, acercándose a quienes no deseaban recordar, pues aunque han pasado muchos años, en su cabeza el eco sigue repitiendo el chillido agudo de la locomotora que se detiene en Treblinka.

El pedazo de tierra que esconde aquella maquinaria de exterminio es mínimo, pero escarbar en la memoria cuesta, contamos con innumerables herramientas para bloquear nuestros pensamientos y para recordar aquello que queremos. La memoria no opera como un disco que almacena y reproduce, más bien es un aparato que selecciona, recupera, construye una perspectiva, habla y calla, sin voluntad de mentir pero con intencionalidad. Las vías siguen ahí, como el cuadro que es removido de la pared y deja su marca, sobre ellas nunca corrieron los trenes de la modernidad. Hoy como entonces, puede verse a los animales con orejeras siguiendo su camino…la razón se materializó en alma.

El cuerpo se convirtió en el centro de todas las cosas, se desarticuló el lenguaje, se borraron las huellas, se aniquiló al ser humano. Durante 9 ½ horas el testimonio intenta transmitir – y creo que lo consigue en alto grado- el vacío del yo y del otro, el testigo habla en nombre de una experiencia.

¿Destruyeron los nazis la dialéctica del amo y el esclavo en el momento en que animalizaron al ser humano? ¿la desaparición del esclavo-otro los exterminó al amo-ellos? ¿fueron los judíos el objeto del deseo (como satisfacción de carencia) del pueblo alemán –y de las naciones que no quisieron ver lo que estaba a la vista- y llegaron a saciarse al grado de desaparecer ellos mismos como individuos?

Me surgen estas inquietudes en momentos en que, a 60 años del fin de la segunda guerra mundial, Shoah sigue siendo un documento vigente, que nos remite a las dictaduras latinoamericanas, a la ex Yugoslavia, a Ruanda, a Afganistán, y a las propias relaciones de poder y subordinación que entablamos en nuestra vida, no siempre evidentes, pero en las que necesariamente nos toca jugar un rol, sea de poder o de resistencia, pero siempre encadenados entre seres humanos. La Shoah no ha terminado, seguimos deshumanizando al individuo, pero ¿aniquilamos su otredad?

Shoah es un homenaje al individuo y un elogio a su subjetividad, se trata de la narración de una verdad en la que leemos las imágenes que se nos presentan con un lenguaje personalísimo y, sin poder evitarlo, la mente va complementando la historia matizando los contenidos con nuestra propia experiencia de vida, haciendo asociaciones, reteniendo elementos y desechando otros, buscando paralelismos, etc., y nos convertimos entonces en falsos testigos, poseedores de una segunda historia.

El testigo construye su relato para un destinatario específico en determinado momento histórico, existe una intención de trascender, a través de un discurso y de su propia experiencia. Philip Muller en la película de Lanzmann cuenta el momento en que entran a la cámara de gas sus vecinas y amigas del pueblo y decide quedarse adentro y compartir su desenlace, pero ellas lo convencen de que se erija en testigo y hable en su representación. ¿De qué manera articulo mis coordenadas de sentido y decodifico ese discurso? De una forma muy simplista, en que Muller se convierte en emisario de una historia de vida colectiva y se asume como personaje de su propia subjetividad.

¿Es el testigo un héroe? ¿es Lanzmann un espectador de su particular idea sobre el exterminio judío, que se atreve a mostrar lo que hasta entonces se había expuesto sólo como meras representaciones?, el lenguaje, la gestualidad y las imágenes -aparentemente sutiles- de lo que ya no existe, son capaces de escenificar las pesadillas más horrorosas que muy pocos podrían imaginar. Los sobrevivientes de los comandos especiales lograron escapar de sus verdugos pero no de su pasado. Son hombres que no volvieron a vivir en su patria y si regresaron fue por que se vieron forzados a ello, pero llegaron a un lugar que no conocían porque nunca habían estado ahí. Las pisadas del caballo en Chelmno van como un metrónomo, midiendo el pulso de la muerte, regresando en el tiempo y reviviendo la angustia de separación, conservando como vínculo inmediato de pertenencia, un profundo dolor.

¿Se trata de héroes que retornan victoriosos después de enfrentarse al propio ser humano?. No lo creo, a diferencia del mito, esta vez no es un héroe redentor que vuelve a su tierra para restituirle a los suyos aquello que han perdido, regresa para dejar de ser un fantasma y constituirse en un testigo: para trascender en su propia vida.

Shoah también es un desafío para el escritor, no sólo por su contenido, sino porque pone en marcha maquinarias de pensamiento que obligan al análisis y a la autoconciencia, revelándonos que todo trabajo narrativo queda subordinado a lo invisible, a los mecanismos de representación y a los de la lengua.

Además, el escritor es también un testigo de sí mismo, la construcción de su trabajo implica una autocrítica, requiere la capacidad de independizar de la conciencia el deseo y los impulsos, y de ser capaz de convertirlos en entes ajenos a su propio Yo. El crítico, necesariamente debe escindirse para poder descifrar su lenguaje y transformarlo; el reto está en utilizarlo, más allá de las palabras, nombres y mecanismos lingüísticos, para comunicar la representación ominosa de un sentimiento, emoción y pensamiento, esto es, para enlazarse con el mundo que lo rodea.

La historia es una narración de hechos inverosímiles que adquieren valor justamente por que otros acontecimientos posteriores los invalidan o los ratifican, y en esa dialéctica nos aproximamos a la verdad, pero no es la verdad misma sino lo que hemos logrado construir de ella. Como sujetos castrados, únicos e irrepetibles, nuestros discursos necesariamente están impregnados de imaginación y ausencia, no escribimos solamente desde el saber y el entendimiento, lo hacemos también desde nuestra profunda ignorancia y distancia con la realidad.

En conclusión, fueron 6 días intensivos en los que asumí el rol de receptora y donde mi capacidad de respuesta quedó considerablemente disminuida. La imposibilidad de procesar aquel bombardeo de información despertó una cadena de inquietudes y cuestionamientos, que como es posible apreciar en los párrafos anteriores, continúo intentando resolver.

El que este trabajo me haya concentrado en Shoah y todos sus detonantes, sin mencionar con profundidad y detalle la conformación del Coloquio en sí, se debe principalmente a que, los temas de los seminarios impartidos, tanto por los tutores como por los que no lo son, quedan comprendidos brevemente aquí y seguramente más adelante habrá oportunidad de enfocarnos más en ellos.

A unos pasos Benjamín Mayer Foulkes habla de la historia del Instituto de Estudios Críticos, el número, pero mi pensamiento está enjaulado en los dos últimos coloquios organizados por 17, en la Shoá y en Ruanda, en el horror. He perdido el hilo de la conversación recordando imágenes, testimonios y lecturas,, pero una frase fragmentada que apenas escucho me conecta de nuevo…Dios, el Papa, el Rey, la Autoridad. Y bastan estas palabras para escaparme e intentar atrapar de nuevo el pensamiento que recién dejé ir.

Apenas ahora, después de varios coloquios, me doy cuenta que la esencia de éstos es la temporalidad psíquica, no es posible tragarlos, y menos aún digerirlos en el momento en que suceden. La cantidad de información que se produce y emite cual bombardeo en el transcurso de una semana, requiere tiempo para llegar a la conciencia y como una postal, no todo llegará a su destinatario. Por supuesto, no soy capaz de dimensionar lo que se queda en el inconsciente.

Nos hemos sentado unos frente a otros a relatar tramos de nuestras vidas…una mexicana que en Irlanda trabaja en una granja, intercambia puntos de vista con un tzotzil de San Andrés Larráinzar, mientras una psicóloga que hace material para circos escucha a la anestesióloga que confiesa que gracias a las letras ha podido despertar del letargo de la anestesia. Un médico de urgencias, un investigador de mercados, artistas, un agrónomo, abogados, psicoanalistas, un comprador de futuros, una mujer embarazada, economistas, teatreros, yo, ellos, nosotros. En esta pluralidad aparentemente inexplicable encontramos puntos de identificación que rebasan cualquier subestimación de entendimiento. La posibilidad de saber y no saber convergen con el creer saber y con el deseo de saber. Sólo resulta lógico ver en la mesa mojada por las goteras, un paraguas negro que se balancea despacito sobre la sociedad sitiada.

Me imagino que estoy en el patíbulo, con la soga atada al cuello, soy un condenado que lo único que posee es un pedazo de oropel dentro del puño y ahí está escrita mi condena, pero no tengo manera de leerla, ni telepáticamente sabré lo qué dice. Se trata del secreto del discurso, de aquello que está oculto, que a veces ni el mismo autor distingue. Es la parte silenciosa de cada ser humano que no se puede compartir. Esa palabra es un tesoro en sí misma, sin el revestimiento del supuesto preciado metal, guarda la sentencia de la que tal vez pende oscilante mi vida y es en ese instante descubro que mi único patrimonio es la oralidad, sólo me pertenece la voz, a menos que invente un mecanismo narrativo no convencional para comunicarme. Pero también sé que la voz es la metáfora de la finitud y el cuerpo una impostergable huella de la muerte, entonces, sólo me queda la escritura como recurso de salvación. Por eso es que estoy aquí, para inventar mi propio proceso creativo, para renacer y regenerarme. Será entonces la escritura, la que revele mi identidad y mi destino. Nadie me ha dicho que el oropel que aprieto en mi mano sea mío, pero es innato del ser humano creer que somos dueños de ese cuerpo extraño que es la palabra y bajo esa premisa de posesión la enaltecemos o la destruimos.

¿Me das tu palabra? ¿Aquella palabra que te pertenece, me la das? Colgadas del tendedero o de la horca, están las palabras, pendientes, esperando que llegue un pescador y se las lleve, otras son tan pesadas que se caen solas y en la fragilidad del discurso se rompen. Son estos vocablos los que nos acercan al horizonte creativo, a la representación del ir y venir en el tiempo.

¿Qué desea el que escribe? ¿encontrar la otra parte de su discurso que no es capaz de discernir? Ese complemento no está en la escritura, ni en la mente del escritor, está en el proceso creativo que conlleva la búsqueda y más aún, en lo que sobra de la producción, lo que no se consideró, lo que no tiene un lugar en el texto. ¿Cómo apropiarse de aquello que no está, pero que aparentemente nos pertenece? A través de la narración a un otro, en la transmisión habita la apropiación, pues se logra comunicar aquello que hemos perdido. Nunca partimos de la nada, sino de la herencia, de lo que nos ha quedado, de la pérdida del otro que eventualmente será cardumen de nuestra propia merma.

Desde el coloquio y en varios días que han pasado después de éste, me oprime una sensación de incertidumbre por no ser capaz de cerrar los recovecos y los hoyos que se abrieron. Pero afortunadamente la confrontación con las imperfecciones posibilita un diálogo con el residuo, imponiendo la distancia que permite continuar el recorrido y encontrarse con el otro, el heredero y albacea de aquel discurso y aquellas palabras que erróneamente hemos creído propias, finalmente son de otro. El acto creativo se erige en lenguaje de pérdida y se trasforma, en arte, en objeto, en pre-texto.

Escribir es aceptar abrir un espacio de transgresión que en todo momento está amenazado por el pensamiento concreto, por la seducción de alcanzar un ideal absoluto, por el deseo de rendirse a la experiencia controlada antes que caer en el vacío y por una confianza exagerada en la técnica, todo ello dejan fuera a la imaginación y al propio acto creativo de la posibilidad de llegar a ser. La escritura debe ser un proceso de edición constante, de selección y borramiento, de exclusión.

Agradezco el acercamiento a la producción poética y al arte que han caracterizado este coloquio y que me han ayudado a apaciguar al chahuistle que se alborotó en mi cuando, en los coloquios anteriores, establecí una comunicación a distancia muy corta, con la violencia y con la terrible capacidad destructiva del ser humano. Hablo de Shoá y de Ruanda que me dejaron el corazón hecho un trapo y lastimada el alma.

Agradezco la tranquilidad de este ruido blanco que ha escondido al caos por unos días y que en su interior hospeda opiniones diversas, rebasando nuestras posibilidades de entendimiento, pero satisfaciendo el deseo de encontrarle sentido a la crítica y de provocar una resonancia -incluso inaudible- en cada uno de nosotros.

Guillermo Tovar

Fotos: Gabriela Bautista

“Quería ser pintor antes que yo leyera mucho”, asegura el poeta durante el documental Alí Chumacero: Palabras en reposo, que se proyectó en la Cineteca Zacatecas del Centro Cultural Ciudadela del Arte, como parte de las actividades del cuarto Festival Internacional de Poesía Zacatecas 2010.

El filme dirigido por Modesto López, alberga el testimonio de diversos poetas amigos del también editor nayarita. Juan Gelman, Marco Antonio Campos, Hugo Gutiérrez Vega, Carlos Montemayor y Dolores Castro, hurgan en la memoria para dotar al documental de la viveza del testimonio, con el que los espectadores habrán de conocer y ubicar al poeta con su obra. 

Modesto López

La vida académica de Chumacero transitó de su estado natal, a tierras tapatías para posteriormente ingresar a la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM y El Colegio de México en capital del país. “Fui un vago, con profunda afición por las letras; viví con mucha amplitud literaria que alimentó mi vicio”, refiere el poeta pues entre sus aficiones se encontraba visitar las bibliotecas de la ciudad, característica que quizá formó al joven corrector de pruebas en sus inicios y “maestro que instruyó generaciones de editores” como señala Montemayor.

En el quehacer literario incursiona en la década de 1940, cuando emprende al lado de Leopoldo Zea, José Luis Martínez y Jorge González Durán, su aventura por la palabra con la revista Tierra Nueva, publicación que se situó al lado de revistas como Contemporáneos y Taller, nacidas por iniciativa de otros escritores.

Alí Chumacero

Su afición por los libros, a decir de Luis Chumacero, lo llevó a comprar volúmenes en las librerías de viejo, con la finalidad de forjar su biblioteca personal. “Fui pobre, soy pobre y mi única riqueza son los libros. Me interesa que haya muchos libros por eso hago libros”, muestra del compromiso editorial del poeta y sencillez pues refiere en el filme: “el que hace un poema es más importante que quien lo forma en la máquina”.

Aunque su obra se ubica en tres volúmenes, es considerada por Marco Antonio Campos como “una de las obras mayores y más breves del siglo XX”. Mientras que para Gelman la poesía Rubén Bonifaz Nuño y Chumacero representan la “cumbre poética mexicana” y la ubica entre las mejores en lengua catedral, no sólo en Latinoamérica sino también de España.

Entre los temas que caracterizan los poemas del autor de Responso del peregrino destacan las mujeres, es decir, “el sesenta por ciento de sus poemas son amorosos” refiere el testimonio de Gutiérrez Vega. Aunque el autor de esas líneas apunta “el amor es el principal impulso que le da el ser humano a l poesía, más que el paisaje, entre otros temas principales”.

Alí Chumacero

Para Marco Antonio Campos “el realismo de la calle, la cotidianeidad, coloquialismos y elementos abstractos, son elementos que están resueltos en la obra de Alí”. Por su parte Gelman, en este tenor, alude a la musicalidad de la poesía de Chumacero; “me dejo llevar en vez de quedarme en el significado de sus versos”. Sin embargo al igual que José Revueltas, Chumacero muestra en su obra pasajes, imágenes y metáforas religiosas, un tanto paradójico aunque atractivo.

La conclusión del documental deja en la memoria la irreverencia del personaje, su humor inagotable como lo califica Gelman, pero principalmente invita a reflexionar en torno a la función de la poesía y los elementos de la palabra como la literatura.

“Hay que hacer de la palabra la razón de la vida misma” señala El mago de la poesía mexicana, mote que Octavio Paz adjudicó a Alí Chumacero.

Ali Chumacero: Palabras en reposo, es editado y promovido por Ediciones Pentagrama, nacida en 1981 con el objetivo de producir y difundir música y poesía para enriquecer el pensamiento a la fecha cuenta con más de 600 títulos de jazz, música para niños, rock mexicano, boleros, afroantillana, folklore latinoamericano, tango, trova tradicional y contemporánea, poetas en su voz y de música tradicional mexicana y de diversos paises de Latinoamérica.

Guillermo Tovar

En la cuarta edición del Festival Internacional de Poesía Zacatecas 2010, dos poetas contemporánes merecieron el Premio Internacional de Poesía Zacatecas. Jaime Augusto Shelley y Sergio Mondragón, en esta ocasión se aúnan a poetas hispanoamercanos como el colombiano Juan Manuel Roca y el nicaraguaense Ernesto Cardenal, quienes además de hermanarase en el oficio lírico, fueron también galardonados en ediciones anteriores del festival.

Para Mondragón, quien mencionó en entrevista no merecer el premio, reconoció que este tipo de incentivos “me estimula a seguir profundizando en mi oficio, espero corresponder con creces a ello y fomentar el oficio del poeta. Es algo que me rebasa, siento que recibir una distinción de esta naturaleza se hace para enaltecer la labor de la escritura y hay más gente que sin duda lo merece”.

Agregó que con este galardon la literatura revive, “por supuesto esto no es nuevo, desde hace muchos años en el país se ha seguido trabajando”. Afirmó que la poesía mexicana ocupa un lugar importante dentro del contexto lírico hispanoamericana y de la poesía en el mundo. “La poesía mexicana forma parte, todo mundo lo sabe, de un contexto más amplio que es hispanoamerica; en la poesía no hay fronteras, ni siquiera debería haber fronteras entre una lengua y otra. En realidad se trata del ámbito humano universal”, añadió.

Respecto al bardo jerezano, dijo: “Ramón López Velarde junto con Sor Juana revolucionaron las letras de México”. Consideró que Sor Juana, además de todos sus otros méritos, escribió en náhuatl y en latín en el siglo XVII; López Velarde por su parte abrió una brecha a la modernidad de fondo y de forma “pues son los padres tutelares de nuestras letras”; además de que, cree, que López Velarde ha instruido a muchas generaciones más.

Ernesto Cardenal y Roca son poetas también muy importantes, universales y fue un acierto otorgarle esos premios a estos poetas, dijo. “Esperamos que siga habiendo poetas de otros países que vengan a Zacatecas a recibir un reconocimiento y ojalá que los sucesivos gobiernos zacatecanos no escatimen apoyos al poeta Sampedro, porque eso beneficia no sólo a los patrocinadores, fundamentalmente beneficia a la vida civil, a las nuevas generaciones que vean que se apoyan los esfuerzos en el campo del arte”.

Al concluirla charla Mondragón señaló que este tipo de actividades saca adelante ésta tarea, de modo que debe seguir siendo promovida. Zacatecas es un lugar importante en el contexto de la cultura nacional, junto con el Premio Nacional de Poesía de Aguascalientes y la FIL de Guadalajara tiene ya un lugar en el mundo del arte, aseguró.

“López Velarde es un parte aguas en la poesía mexicana”

Para Jaime Augusto Shelley el galardón que se le otorgará, es uno de los premios más prestigiados y activos de México. “No es un premio improvisado que, por ejemplo, se da en un sexenio y en otro no, tiene una tradición muy interesante y por supuesto es importante porque homenajea la memoria de López Velarde”.

Shelley coincidió con Mondragón respecto a la importancia de la obra del autor de La suave patria. “López Velarde es un parte aguas en la poesía mexicana porque rompe ideologicamente con el pensamiento de los poetas del siglo XIX y principios del XX”. Respecto a la lírica velardeana, dijo, su poesía llega directamente al pueblo; “es muy distinta de las coplas de los modernistas y él es quien comienza a introducir cambios en la forma del verso. Velarde es muy importante para México, aunque la gente lo tiene en el lugar común por su obra más popular, pero tiene mucho más que estudiarle y aprenderle”.

En torno a los jovenes poetas comentó que durante su vida como docente en la Sociedad General de Escritores de México (SOGEM) y en la UNAM, “estoy cerca de lo que estan haciendo los muchachos y he notado una forma muy propia de expresión, muy de acuerdo con las innovaciones técnicas y tecnológicas que se están dando”.

“Hay textos que son sorprendentes porque juegan con el esquema del internet  por ejemplo. Me interesa mucho lo que se está haciendo actualmente, desgraciadamente no conozo al poeta Juan Manuel Becerra”, ganador del Premio Nacional de Poesía Ramón López Velarde.

Para la investigadora Rebeca Monroy, el legado documental que dejo Enrique Díaz, uno de los fotógrafos más importantes de la primera mitad del siglo XX, es fundamental para comprender el trabajo del reportero gráfico en la actualidad. Durante la charla Enrique Díaz, fotorreportero de corazón, que impartió Monroy como parte de las actividades de la Primera Semana de Fotoperiodismo de la FES Aragón, aseguró, que la manera como se concibe el fotoperiodismo, se gestó a partir de la justa armada de 1910.

La labor de Díaz y la mirada de destacados fotógrafos de la época, señaló, responde al interés de hacer que la fotografía entrara al ámbito de las artes, “celebrandó en 1911 en Bellas Artes la primera exposición colectiva de fotógrafos bajo el concepto de foto artística o de autor”. Los principales objetivos que se retrataban fueron ambientes bucólicos, paisajes y retratos.

Historias para ver: Enrique Díaz, fotorreportero

“El concepto de fotografía documental todavía no cambia en la cabeza de los fotógrafos, aún están pensando cómo hacer arte con la cámara, están pensando cómo acercarse a la pintura, a la escultura, al grabado; no consideran recursos técnicos como la nitidez, la documentación e instantaneidad” agregó.

Con la revolución mexicana, movimiento al que perteneció Díaz en 1918 con las fuerzas Carrancistas, la visión de los periodistas se amplió y permitió cambios sustanciales en el registro gráfico. Apartado de las armas en la misma década, Díaz incursionó en la fotografía y “de manera independiente colaboró en los periódicos El Demócrata, El país y El Heraldo”.

Para 1921, enrolado Díaz en el ambiente periodístico, fundó su agencia fotográfica, “Fotografías de actualidad”, competencia de los Casasola. La oficina en su fachada versaba: “la mejor información de asuntos de la colonia española, servicio gráfico para revistas nacionales y extranjeras”, dato que permitió a la investigadora vincular el trabajo de Díaz en publicaciones nacionales y en otras más allá de las fronteras como la revista Life.

La historia y reconstrucción del autor de “medio millón de negativos”, oscila entre la década de 1920 y 1930 en esferas vinculadas al arte y el periodismo. Ligado en ésta época a personajes como José Pajes Llergo, Felipe Morales y Daniel Morales, editores y amigos de Díaz, propiciaron el auge de las revistas ilustradas que abrieron el campo de las series fotográficas.

La estética ante el vasallaje gráfico

Entre las características del “gordo Díaz”, como se le conoció también a Enrique Díaz, destacó su panza que empleó como soporte de su cámara Graflex 5×7 de placas de vidrio, además de los ejemplares de periódicos que lo acompañaban; “cómo se enteraba de lo que iba a fotografiar, pues documentándose”.

También el trabajo de “El gordo”, evidenciaba la influencia de los encuadres del cine soviético y alemán, que exaltan a los personajes a partir de tomas contrapicadas, picadas y retratos muy cercanos además de los altos contrastes en el color. Monroy recomendó que para analizar la fotografía es necesario partir de dos hipótesis: “la técnica formal, es decir, el equipo que se utilizó y el análisis temático e ideológico que caracteriza el trabajo de cada fotógrafo”.

Respecto a los géneros que determinaron las series fotográficas de Díaz, la investigadora encontró que la nota grafica en sus inicios, más tarde el ensayo gráfico y el foto reportaje, circundaron el trabajo periodístico y artístico del fotógrafo. En este tenor Díaz documentó el conflicto entre Saturnino Cedillo y el general Lázaro Cárdenas, el sepelio del comunista cubano Julio Antonio Meya y las investigaciones en torno a la fotógrafa Tina Modoti, juicios pos revolucionarios, además de retratos de particulares solicitados a la agencia.

El legado, más allá del acervo del fondo Díaz, Delgado y García, resguardado por el Archivo General de la Nación, “recae en la historia de este personaje que propició el trabajo gráfico en el periodismo”, al lado de otros fotógrafos que incidieron en la historia de principios del siglo XX como: “testigos visuales de un instante que documentaron la historia pos revolucionaria. La fotografía es una maravilla para documentar la memoria nacional”, concluyó.

“Las técnicas como el enfoque y la iluminación, se obtienen con el paso del tiempo” dijo Jorge Serratos, fotoperiodista del diario El Universal, durante la conferencia Jorge Serratos, arte y peligro en el fotoperiodismo, que impartió como parte de las actividades de la Primera Semana de Fotoperiodismo de la FES Aragón. Agregó que para lograr las imágenes deseadas es necesaria la práctica constante, por lo que realiza aproximadamente 35 tiros, probando con diferentes tipos de luz.

Comentó que para conocer el medio en que se va a laborar, es necesario identificar las líneas editoriales de las empresas de comunicación. En el caso de la prensa, dijo, es indispensable saber en dónde y para quién se está trabajando, de lo contrario el fotógrafo pertenecerá a un medio que no cumple con sus expectativas.

Arte y peligro en el fotoperidismo de alto riesgo

Expuso a lo largo de la mesa una serie de videos que mostraron su trabajo gráfico; el primero de ellos fue el seguimiento de la muerte del ex-secretario de gobernación, Juan Camilo Mouriño. Después de cada proyección interactuó con el auditorio y respondió todas sus preguntas, siempre con anécdotas personales y consejos.

Las presentaciones de sus trabajos captaron la atención del auditorio con títulos como Castigo, una mirada de la vida en los reclusorios; Conflicto en la APPO, un trabajo que recorre parte del movimiento de los maestros de Oaxaca en 2006, inicialmente sería un trabajo de 15 días pero su estancia duró tres meses; Karen un final feliz, muestra la historia de una niña antes y después de una cirugía facial a causa del padecimiento de labio hendido; además de Pasta de Conchos y la exposición de un Operativo militar en Caracuaro, Michoacán.

“Estamos aquí para resolver problemas, no para acarrearlos”

Arte y peligro en el fotoperiodismo de alto riesgo

El reportero gráfico declaró que la labor del fotoperiodista va más allá de imágenes impactantes y de aquellas que trasciendan en la historia. “Estamos aquí para resolver problemas, no para acarrearlos” ; reflexionó sobre la importancia de la honestidad como un valor que influye en su trabajo, ya que un periodista no debe modificar o crear ambientes con la finalidad de vender una escena ficticia.

Resaltó la importancia de la preparación que se debe tener ante los hechos: “los buenos periodistas duermen y despiertan con noticias, y lo que hacen trasciende en la historia”, no se deben poner límites. Aclaró que el fotoperiodismo de nota roja y de otras fuentes, es una labor peligrosa y de alto riesgo, más en un país que vive en una guerra contra el crimen organizado, sin embargo, estas son circunstancias que le enseñan al fotoperiodista a pensar y actuar rápido.

Los principios de ética y credibilidad son indispensables para el reportero gráfico, además de un olfato sensible para localizar la nota. Lo más importante del trabajo es mostrar imágenes de calidad. “El fotoperiodismo es muy apasionante, te deja algo más…” quizá surgió por la necesidad de ayudar a la gente a través de la lente. Finalmente, recalcó que lo más importante es la constancia y argumentó que siempre se deben buscar segundas alternativas, no quedarse con los medios comerciales.

La fotografía “busca retratar la estética y documentar la época pasada a través de los vestigios de la ciudad de México”. Así lo dijo el periodista Ernesto Ramírez, en la conferencia La construcción de una estética urbana, que presentó como parte de las actividades de la primera Semana de Fotoperiodismo de la FES Aragón.

Reportajes, ensayos y retratos miden el pulso de la urbe, donde el fotógrafo encuentra los escenarios que albergan a los protagonistas de su trabajo. Los diversos temas que aborda la obra de Ramírez, más allá del quehacer periodístico, circundan a escritores, funcionarios, políticos, calles, estatuas y demás contextos y personajes que a través de sus singulares ocupaciones dan vida a las calles de la ciudad.

La versátil lente de Ramírez ha captado tanto momentos alegres, como la peregrinación anual de los payasos a la basílica de Guadalupe, como momentos históricos aunque menos gratos, como el sepelio de la actriz María Félix en el palacio de Bellas Artes. También incluye escenas de desastres naturales, además de postales de la ciudad, en las que muestra las particularidades de la arquitectura urbana.

De la serie "Cerca del cielo"

Para el reportero gráfico antes de pensar en una serie, debe de plantarse interrogantes técnicas y estéticas previas al registro. Sugirió que antes de conceptualizar el tema, definir el título e iniciar la investigación formal, hay que elegir cómo hacerlo, si es a color o en blanco y negro, este recurso “permite conseguir y compensar el tema con la fotografía”. Aseguró que el “recurso técnico de la cámara auxilia el discurso gráfico”.

Respecto a su serie de vida cotidiana, consideró, que muestra pero sobre todo “revela mucho de lo que pasa en nuestra sociedad. Me encanta la ciudad, su fisonomía enorme, por eso ha sido tan fotografiada por todo el mundo”.

El reportero gráfico profesional

De la serie "Cerca del cielo"

“Las formación académica apoya para ser periodista, aunque se deben de tener ciertas características como en cualquier profesión. A veces llegas de rebote a ciertas carreras pero si debe de haber cualidades que si uno las sabe ver y enfatizar, las tratas de enriquecer”. Por ello recomendó tomar en serio la fotografía porque, “en el ámbito laboral está igual de complicado el periodismo escrito como el gráfico, sin embargo es una posibilidad más y muy generosa. Te brinda la oportunidad de moverte en otros espacios, como el ámbito artístico en el que puedes exponer tu trabajo como arte además de tocar otras fronteras que no son periodísticas netamente”.

En este tenor y en el ambiente tecnológico actual recomendó que en caso de modificar una imagen, “si hay que intervenir la imagen es en la calle, es un ejercicio más enriquecedor como un experiencia estética. La fotografía permite ver también a la imagen como un producto artístico y que puede entrar en otros circuitos de exposiciones, libros, memorias y al final eso creo que estamos haciendo, como periodistas documentamos la historia y buscamos que esa historia tenga otros caminos de distribución”, concluyó.

 Karina Sánchez 

 Para Francisco de Souza en la actualidad, “el periodismo gráfico sigue existiendo y nada lo sustituye”. Para el también periodista, hijo del fotógrafo y escritor Cándido Mayo, el término de fotoperiodista es inadecuado para el reportero gráfico porque: “o somos o no somos periodistas, si hay fotoperiodismo entonces tendría que haber un lápiz periodismo o una pluma periodismo; por qué los reporteros gráficos tienen que ser de segunda, los fotógrafos de prensa no podríamos ser fotoperiodistas, o somos periodistas o somos fotógrafos o qué. El reconocimiento al periodista es por una parte gráfico y otro escrito, pero ambos con el mismo valor”. 

Francisco De Souza

Así lo evidenció De Souza durante la mesa Cándido Mayo: Fundador del uso moderno de la fotografía en el periodismo mexicano contemporáneo, que se llevó a cabo durante la primera Semana de Fotoperiodismo en las FES Aragón y en el marco del 26 aniversario luctuoso del fotógrafo Cándido Mayo. 

“La forma de hacer periodismo es trascender” 

Añadió que la forma de hacer periodismo es trascendiendo, debido a que las políticas actuales no brindan seguridad a los periodistas y tampoco evitan que sean víctimas del crimen organizado. Argumentó que los periodistas deben unirse para lograr erradicar la violencia que actualmente los acosa, porque “el gobierno no tiene la capacidad para lograrlo”. 

"La forma de hacer periodismo es trascender", De Souza

Respecto a la manera de transmitir la noticia, dijo, se debe informar a la sociedad sin tergiversa la nota, sin “prostituirse”, para darle otro contexto. Resaltó la importancia de crear organizaciones independientes de periodistas, que se encuentren fuera de los monopolios informativos”. 

Apuntó que su padre dejó siete millones de negativos, que son obligados para quienes están interesados en la historia contemporánea de México. Dijo que las fotografías de Cándido Mayo tienen tres aspectos importantes: realismo, objetividad y palpitar humano. “A partir de su periodismo gráfico se renovó la labor de hacer fotoperiodismo. Originarios de España los hermanos Mayo dejaron gran parte de la historia publicada en imágenes, por un lado el sufrimiento y humillación que dejó la guerra franquista, y por el otro, el contexto de un México que acogía a los refugiados españoles en la década de 1913. 

"La trayectoria de los Mayo trascendió en la historia de la fotografía nacional"

Por su parte, Miguel Ángel Quemain, periodista cultural y académico, comentó que la trayectoria de los hermanos Mayo trascendió en la historia de la fotografía nacional. “México fue el país que le dio la oportunidad, a él y a su equipo de fotógrafos, de ser libres, y de ejercer en aquél época el oficio periodístico.” 

Consideró que la clasificación archivística que realizó Cándido Mayo de su acervo fue excepcional, tanto que en la actualidad es utilizada en el Archivo General de la Nación. En ese repositorio, añadió, se encuentran algunos de los siete millones de negativos del acervo de los Mayo y que fueron donados por Francisco. 

(Paco, Julio, Cándido, Faustino, Pablo)

“Los hermanos Mayo hicieron de la mexicanidad una religión”

 

Los hermanos Mayo, lo conformaban Cándido y su hermano Francisco, junto con Julio y Faustino, que aunque no eran familiares, crearon el equipo de trabajo equipado con cámaras leica, para identificarse.

 Los fundadores de “Foto Mayo” arribaron a México el 13 de junio de 1939; descendieron del barco Sinaia para ser recibidos por el presidente Lázaro Cárdenas y el secretario de Gobernación, Ignacio García. Instalados en el periodismo nacional iniciaron un “mestizaje periodístico”: con el uso de filtros. A través de sus lentes captaron postales de comunidades indígenas, de haciendas y del campo mexicano. 

Francisco Mayo

La fama de los hermanos Mayo pronto se extendió en toda la República, tanto su técnica como sus trabajos los llevaron a conocer personajes del ámbito periodístico y artístico. Pero todo cambió cuando en el año de 1948 Francisco Mayo muere en un avionazo. Este acontecimiento orilló al hermano de Francisco, Cándido, a proponer, por primera vez en el país, un sindicado que protegiera a los fotógrafos de la época 

Con el paso del tiempo, la salud de Cándido Mayo comenzó a deteriorarse lo que provocó que se mudara al puerto de Veracruz, el primer sitio que pisó cuando llegó a México. Ya instalado tras varias ofertas para colaborar en diversos medios del estado, Mayo se dedicó a la redacción de sus experiencias como fotógrafo. El 10 de noviembre de 1984 cuando el corazón de Cándido Mayo dejó de latir, tras haber sufrido su cuarto infarto. A 23 años de su muerte, recibió el Premio Nacional de Periodismo. 

De Souza al final de su intervención agregó que: “el periodismo debe ser libre, pero respetuoso, no se puede dañar a una persona”, para destacar la importancia de la ética periodística.

“La realidad es tan grande que no nos alcanza con una mirada”, se debe ampliar el panorama del mundo para verlo desde otra perspectiva, dijo Elsa Medina, quien al lado del arquitecto y fotógrafo Enrique Villaseñor, impartió la conferencia Fotoperiodismo: creatividad, docencia e independencia profesional, como parte de las actividades de la primera Semana de Fotoperiodismo en el FES Aragón. 

La fotografía puede o no tener un contexto para entenderla, señaló Medina

Medina, foto reportera y docente, destacó que en el periodismo las imágenes deben de ser concretas. “La fotografía puede o no tener un contexto para entenderla”, por ello a veces los pies de foto se utilizan para ampliar el significado, aunque en otras ocasiones la contundencia de las imágenes dice todo, como las nombradas de autor o artísticas. 

El contexto o ambientes que ilustran las imágenes pueden ser manipulados; así “la foto adquiere un sentido a partir del lugar donde se tomó”. Existen diferentes perspectivas y movimientos, que pueden darle una visión única a la imagen que originalmente se pensaba distinta: “es una verdad vista desde una óptica personal”, consideró. 

Comentó que la aparición de las cámaras digitales cambió la perspectiva de la fotografía y que los procesos tradicionales han sido rebasados por la tecnología. Explicó que la cámara es una herramienta de trabajo que se debe manejar con las técnicas adecuadas para obtener las fotografías deseadas. A veces, “se toman tantas imágenes que se pierde lo que se está viendo”. Dentro de su experiencia recalcó que el uso de cámaras digitales es para ella aún una novedad, puesto que tiene poco tiempo de utilizarlas. 

Fotoperiodismo: creatividad, docencia e independencia profesional

Las condiciones que requiere una fotografía, para que sea del gusto y satisfacción personal, cambian dependiendo del contexto; “la foto es difícil, sobre todo lograr el efecto deseado”. Entre los ejes que caracterizan el trabajo de la fotógrafa destaca “la búsqueda de los simbólico”, elemento que permite trascender más allá de la información vista en primer plano. 

En el ámbito laboral, señaló que, el reportero gráfico debe estar consiente para qué medio desea trabajar y qué tipo de imágenes puede publicar; aclaró que dependiendo de las políticas de cada empresa es viable o no cierta fotografía. En ocasiones, los fotoperiodistas deben lidiar con una serie de condiciones que no les permiten hacer trabajos de calidad, por eso la necesidad de informarse sobre el hecho noticioso antes de cubrirlo, resaltó. 

“Las fotos están llenas de vida” 

"La fotografía es una llave a la vida", Enrique Villa

Para el fotoperiodista independiente, Enrique Villaseñor, la fotografía es un elemento del reportero gráfico que tiene vida. “La fotografía es como una llave a la vida”, que no tiene protocolos y que sencillamente se remite a la acción de captar una imagen, vinculada con el contexto personal de cada uno. 

Consideró que la fotografía contiene tres estados: en el primero, el informativo, la imagen debe estar cargada de un hecho o un contexto que transmita una noticia; el segundo, la imagen en ocasiones sobrepasa la información, es decir, se carga de una serie de elementos estéticos que le brinda belleza; finalmente, la imagen debe exponer la visión personal del fotógrafo. 

La ética, añadió, es un valor característico que los fotoperiodistas deben poseer y no dejarse influir por momentos efímeros de éxito. Respecto a la construcción de las imágenes, consideró que la suerte es una herramienta importante del foto reportero, aunada a la técnica. “Las oportunidades se pueden presentar en el momento menos imaginado, logrando obtener una foto que puede tener un impacto en la sociedad”. 

Durante su participación, presentó una serie de videos que contenían sus últimos trabajos entre los que destacan: Anhelo, El baño de los caballos y El Machete, sobrenombre que recibió el camión en que viajaban reporteros y diversos fotógrafos, entre ellos Elsa Medina, que cubrieron la campaña presidencial de Heberto Castillo. 

El trabajo de Villasana puede ser consultado en la página web www.fotoperiodismo.org, que también alberga el trabajo de otros fotógrafos.

Guillermo Tovar

Amor, solidaridad, maternidad y sensualidad son algunos de los ejes que sustentan la tesis de la fotógrafa Patricia Aridjis en Las horas negras, ensayo sobre mujeres en reclusión, que se presentó como parte de las actividades de la primera Semana de Fotoperiodismo en la FES Aragón de la UNAM.

Foto: Patricia Aridjis

La también periodista adelantó que la serie de fotografías de Las horas negras, tiene como antecedente algunos foto reportajes que realizó en reclusorios de la ciudad de México. En un principio retrató a personas de la tercera edad además de que abordó temas como enfermedades físicas y mentales, hasta llegar a los centros femeninos. En este contexto, surgió la idea de realizar una serie fotográfica que evidenciara la maternidad entre las reclusas. 

En su tránsito durante siete años por reclusorios como el Norte, Oriente y el de Santa Marta Acatitla, Aridjis se involucró con los personajes que protagonizan su trabajo. En ese tenor, consideró, la labor del fotoperiodista “es hacer visible la vida de los personajes ignorados, en este útero que les da cobijo mejor que en el exterior. Las cárceles son para gente pobre” agregó. 

"Silvia y Claudia", 2004. Foto: Patricia Aridjis

El ensayo además de mostrar la vida de las internas y su contexto, busca evidenciar una parte de la historia de sus protagonistas. La condición de las mujeres en reclusión, responde a que su vida ha estado consignada a otras prisiones antes de estar tras las rejas, ya que en el exterior son victimas de vejaciones, maltratos y están expuestas a la vida en la calle. 

Señaló que la reincidencia es frecuente. “La sociedad no ofrece muchas opciones u oportunidades, por eso es mejor estar adentro”. Algunas de las imágenes muestran la vida cotidiana de las internas, en otras la fotógrafa descontextualiza a los personajes para mostrar su esencia, “son importantes por sí mismos”. La solidez del acervo de Las horas negras y la ausencia de color, permitió a la fotógrafa “enfatizar lo fuerte del tema como el dolor, uno de los temas que más me costo retratar”. 

Fotoperiodista vs foto documentalista 

"Cereso", 2004. Foto: Patricia Aridjis

Respecto al ejercicio foto periodístico, señaló que en los ejercicios documentales o ensayos gráficos “el fotógrafo interpreta los hechos que quiere reflejar y se involucra con los actores”. Aunque Las horas negras no se trata de un trabajo de denuncia, “sino más intimista, sí influyó mi visión para dar una opinión y mostrar lo que sucede”. 

Aridjis declaró que la línea que separa al fotoperiodismo de la fotografía documental es estrecha. “El fotoperiodismo te puede dejar ciego, pero hay que mantener la mirada fresca y buscar las imágenes desde el alma para que puedan ser distintas, vivimos en un país donde hay muchas historias que contar”. 

Recomendó a los asistentes realizar “cualquier cosa que hagamos hay que realizarla con pasión, de una orden de trabajo rutinaria, sin chiste hay que buscar siempre lo diferente”.